Stillleben Gemälde Reproduktionen - Seite 1

Die Stilllebenmalerei ist eine Gattung, die sich vorwiegend unbelebten Gegenständen widmet, darunter Früchte, Blumen, Gefäße, Bücher, Musikinstrumente und Lebensmittel. Ihre Anordnung dient der Untersuchung von Form, Material, Licht und Bedeutung. Die Motive können Überfluss, persönliche Gewohnheiten, Gelehrsamkeit oder das Vergehen der Zeit ansprechen. Ein Stillleben kann üppig oder schlicht, täuschend wirklichkeitsnah oder offen experimentell sein. Als eine durch ihren Gegenstand bestimmte Gattung reicht es über einzelne Kunstrichtungen und Jahrhunderte hinaus.

Der Maler verfügt meist über beträchtliche Freiheit bei der Anordnung. Eine Tasse zu verschieben, einen Teller zu drehen oder ein Tuch über die Tischkante fallen zu lassen, kann das Gleichgewicht des gesamten Bildes verändern. Licht unterscheidet durchsichtiges Glas, matte Keramik und poliertes Metall; die Zwischenräume sind ebenso bedeutsam wie die Umrisse der Gegenstände. In der Trompe-l’œil-Malerei können sorgfältig abgestimmte Größenverhältnisse, Schatten und geringe Raumtiefe den Eindruck erwecken, ein Gegenstand rage über die gemalte Fläche hinaus in die Umgebung des Betrachters.

Darstellungen von Lebensmitteln und Haushaltsgegenständen erschienen bereits in römischen Wandmalereien und Mosaiken. Im europäischen Mittelalter und in der Renaissance begleiteten Blumen, Gefäße und Bücher häufig religiöse Figuren und trugen Bedeutungen, die sich aus der übergeordneten Szene ergaben. Im 16. Jahrhundert vergrößerten Pieter Aertsen und Joachim Beuckelaer ihre Darstellungen von Lebensmitteln und Küchengeräten, bis diese viele Kompositionen beherrschten. Um 1600 entwickelte sich die selbstständige Stilllebenmalerei in mehreren europäischen Zentren; Gegenstände wurden zum eigentlichen Hauptthema eines Bildes.

Caravaggios „Früchtekorb“ (um 1600, Pinacoteca Ambrosiana, Mailand) rückt einen Weidenkorb vor einem schlichten, hellen Hintergrund nahe an den Betrachter heran. Schadstellen an den Früchten und trocknende Blätter machen das Vergehen der Zeit innerhalb einer scheinbar beständigen Anordnung wahrnehmbar. In Spanien verlieh Juan Sánchez Cotán alltäglichen Früchten und Gemüsen eine strenge räumliche Ordnung. Sein „Stillleben mit Quitte, Kohl, Melone und Gurke“ (um 1602, San Diego Museum of Art) zeigt hängende und aufliegende Formen vor der Dunkelheit einer Nische. Präzise Beleuchtung und sorgfältig bemessene Abstände geben jedem Gegenstand ein eigenes Gewicht und eine besondere Präsenz. Diese zurückhaltende Gestaltung wurde zu einer wichtigen Ausprägung innerhalb der vielfältigen Tradition des spanischen Bodegón.

In den Niederlanden des 17. Jahrhunderts förderte ein florierender Markt für Stillleben die zunehmende Spezialisierung der Maler. Pieter Claesz und Willem Claesz. Heda arbeiteten mit zurückhaltenden Farbpaletten und entwickelten feine Unterschiede zwischen Lebensmitteln, Glas, Zinn und Leinen. Üppigere Arrangements von Willem Kalf vereinten importiertes Porzellan, Zitrusfrüchte und kostbare Metallgefäße. Diese Bilder verweisen auf die Reichweite des Handels und die Anziehungskraft des Besitzes. Der Glanz eines Gefäßes oder die gewundene Schale einer Zitrone konnten malerisches Können vorführen und zugleich zu einem Bild kultivierten Geschmacks und materiellen Überflusses beitragen.

Die Blumenmalerei brachte eigene Spezialisten hervor, darunter Jan Brueghel den Älteren, Ambrosius Bosschaert und Rachel Ruysch. Ein gemalter Strauß konnte Arten vereinen, die zu unterschiedlichen Jahreszeiten blühten, und einzelne Beobachtungen zu einem gestalteten Ganzen verbinden. In Ruyschs „Vase mit Blumen“ (1700, Mauritshuis, Den Haag) beginnen die Blüten bereits zu welken. Zwischenräume zwischen Stängeln und Blütenblättern verleihen dem Arrangement Tiefe, während das Licht einzelne Blumen aus dem dunklen Hintergrund hervorhebt. Botanische Genauigkeit und kompositorische Erfindung bleiben eng miteinander verbunden: Selbst der überzeugendste Strauß kann eine aufwendige bildnerische Konstruktion sein.

Das Vanitasstillleben stellte die Sterblichkeit und die Grenzen weltlichen Erfolgs in den Mittelpunkt. Schädel, Sanduhren, erloschene Kerzen und zerbrechliche Seifenblasen konnten an die Kürze des Lebens erinnern; Bücher und Musikinstrumente konnten Wissen und Genuss mit dem Vergehen der Zeit verbinden. Solche Bedeutungen hingen von der Zusammenstellung der Gegenstände und vom Zusammenhang des Bildes ab. Eine Blume oder ein Trinkgefäß besaß keine einzige, allgemeingültige Bedeutung. Die Freude am Sichtbaren und das Nachdenken über Vergänglichkeit konnten innerhalb derselben sorgfältig aufgebauten Darstellung zusammenwirken.

Im Frankreich des 18. Jahrhunderts verlieh Jean Siméon Chardin häuslichen Gegenständen durch Farbe, Oberflächenwirkung und die Beziehungen zwischen den Formen eine ruhige Gewichtigkeit. „Der Rochen“ (1728, Musée du Louvre, Paris) stellt einen aufgehängten Fisch neben Küchengeräte und eine Katze, deren aufmerksame Gegenwart die Ruhe ringsum verstärkt. Das Gemälde gehörte zu den beiden Werken, mit denen Chardin 1728 in die Königliche Akademie für Malerei und Bildhauerei aufgenommen wurde. Auch seine kleineren Zusammenstellungen von Gefäßen und Lebensmitteln zeigten, wie bescheidene Motive durch das Gewicht einer Form oder den Übergang zwischen Licht und Schatten anhaltende Aufmerksamkeit gewinnen konnten.

Im 19. Jahrhundert bot das Stillleben Raum für zunehmend persönliche Formen des Farbauftrags. Édouard Manet verlieh Blumen und Lebensmitteln durch entschiedene Pinselzüge und tonale Kontraste eine besondere Unmittelbarkeit. Henri Fantin-Latour untersuchte Blumensträuße mit konzentrierter Beobachtung und sorgfältig ausgewogener Farbgebung. Vincent van Gogh steigerte das Gelb seiner Sonnenblumenbilder durch unterschiedliche Farbnuancen und einen ausgeprägten pastosen Auftrag. Damit gab er dem vertrauten Blumenmotiv eine nachdrückliche körperliche Präsenz.

Paul Cézanne stellte das Stillleben ins Zentrum seiner Untersuchung des Bildraums. In „Der Korb mit Äpfeln“ (um 1893, Art Institute of Chicago) lösen geneigte Formen und gegeneinander versetzte Tischkanten die Sicherheit eines einzigen, festen Blickpunkts auf, während wiederkehrende Rundungen und Farbbeziehungen die Komposition zusammenhalten. Das Tuch bildet Erhebungen und Mulden um die Früchte und verwandelt die Tischfläche in ein vielschichtiges räumliches Gefüge. Vertraute Gegenstände werden zum Mittel, um zu untersuchen, wie gemalte Farbe Volumen, Tiefe und Gleichgewicht erzeugen kann, ohne den Aufbau des Bildes zu verbergen.

Im frühen 20. Jahrhundert entwickelten Pablo Picasso und Georges Braque anhand von Flaschen, Gläsern und Musikinstrumenten den Kubismus. Sie zerlegten Gegenstände in sich überschneidende Flächen und bestimmten ihr Verhältnis zum umgebenden Raum neu. Henri Matisse untersuchte das Zusammenspiel von Gegenständen, großen Farbflächen und gemusterten Stoffen. Giorgio Morandi kehrte wiederholt zu Gruppen von Flaschen, Schachteln und Gefäßen zurück und widmete sich kleinen Unterschieden in Höhe, Abstand und gedämpfter Farbigkeit. In seinen Gemälden kann der Zwischenraum zwischen zwei Gegenständen ebenso viel bildnerisches Gewicht besitzen wie jeder Gegenstand selbst. Die Anordnung wird dadurch zu einer genauen Untersuchung von Nähe, Trennung und Gleichgewicht.