Surrealismus, Expressionismus, Nabis & Andere Stile Alte Meister Index
Alphabetisches Verzeichnis der großen Meister der Surrealismus, Expressionismus, Nabis & Andere Stile
Die Nabis waren ein Kreis von Malern, der vor allem im Paris der 1890er Jahre tätig war und ausdrucksstarke Farben, vereinfachte Formen sowie die bewusste Ordnung der Bildfläche in den Mittelpunkt stellte. Die Gruppe entstand 1888 unter jungen Künstlern im Umfeld der Académie Julian. Ihr Name leitete sich vom hebräischen Wort für Propheten ab und bezeichnete ihren Anspruch, die Malerei zu erneuern. Paul Gauguins Vorbild ermutigte sie, Beobachtungen durch Erinnerung, Vorstellungskraft und dekorative Erfindung umzugestalten.
Paul Sérusiers „Der Talisman“ (1888, Musée d’Orsay, Paris) wurde zu einem Schlüsselwerk der Gruppe. Die kleine Holztafel entstand in Pont-Aven unter Gauguins Anleitung und stellt eine Flusslandschaft durch konzentrierte gelbe, grüne und blaue Farbfelder dar. Bäume und Spiegelungen fügen sich in dieselbe Anordnung farbiger Formen. Sérusier brachte das Werk nach Paris zurück und zeigte es seinen Studienfreunden. Maurice Denis formulierte 1890 einen verwandten Grundsatz: Die Beziehungen zwischen den Farben auf einer ebenen Fläche bildeten die Grundlage eines Gemäldes, unabhängig von seiner Geschichte oder seinem Gegenstand.
Pierre Bonnard und Édouard Vuillard widmeten vertrauten Umgebungen besondere Aufmerksamkeit, darunter Mahlzeiten, Gärten und häusliche Räume. Japanische Farbholzschnitte förderten ihr Interesse an ungewöhnlichen Blickwinkeln, angeschnittenen Figuren und ausgedehnten Musterflächen. Vuillards „Interieur, Mutter und Schwester des Künstlers“ (1893, Museum of Modern Art, New York) führt in einen gedrängten Raum, in dem Kleidung und Tapete um Aufmerksamkeit konkurrieren. Das dunkle Kleid der Mutter bildet eine ruhige Masse, während sich das karierte Kleid der Schwester dem umgebenden Muster annähert. Die Anordnung dieser Flächen bestimmt, wie deutlich sich die einzelnen Figuren vom Raum abheben.
Innerhalb der Nabis bestanden erhebliche Unterschiede im künstlerischen Temperament. Denis verband viele seiner Kompositionen mit christlicher Frömmigkeit und einem ruhigen Rhythmus. Félix Vallotton entwickelte scharf umrissene häusliche Szenen, deren Figuren in schwer deutbaren Beziehungen zueinander stehen. Gemalte Paneele boten Möglichkeiten, Figuren, Laubwerk und wiederkehrende Motive über größere Flächen hinweg zu ordnen. Um 1900 gingen die Künstler zunehmend eigene Wege. Bonnard und Vuillard entwickelten ihre Behandlung von Farbe und Alltagserfahrung noch jahrzehntelang weiter. Viele ihrer bekanntesten reifen Gemälde entstanden in dieser späteren Zeit.
Der Expressionismus entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts besonders in Deutschland und Österreich. Verzerrte Formen, intensive Farben und eine nachdrückliche malerische Handschrift verliehen subjektiven Erfahrungen sichtbare Gestalt. Frühere Gemälde von Vincent van Gogh und Edvard Munch boten wichtige Anregungen. Munchs „Der Schrei“ (1893, Nationalmuseum, Oslo) entstand vor den maßgeblichen deutschen Künstlergruppen des Expressionismus. Die schwankende Figur und die weit ausschwingenden Farbbänder des Himmels verwandeln eine erkennbare Landschaft in ein Bild äußerster Angst. Die feste Diagonale des Geländers verstärkt die Unruhe der umgebenden Kurven.
Die Brücke wurde 1905 in Dresden von Ernst Ludwig Kirchner und drei weiteren Künstlern gegründet. Ihre Mitglieder malten Straßen, Ateliers, Badende und Landschaften mit schroffen Konturen und kräftigen Farbgegensätzen. Kirchners „Straße, Berlin“ (1913, Museum of Modern Art, New York) entstand im Jahr der Auflösung der Gruppe. Das Gemälde verdichtet die Spannungen des Großstadtlebens in einer gedrängten Hochformatkomposition. Zwei elegant gekleidete Frauen stehen zwischen Männern, deren Körper und Gesichter eine unruhige Folge von Winkeln bilden. Der zusammengedrängte Raum und die schrägen Bewegungsrichtungen lassen den Gang durch die Straße körperlich unbequem erscheinen.
Der Blaue Reiter entstand 1911 in München um Wassily Kandinsky und Franz Marc. Gabriele Münter und August Macke gehörten zu seinen wichtigen Beteiligten. Die lose Vereinigung untersuchte die emotionalen und geistigen Möglichkeiten der Farbe. Kandinsky entwickelte zunehmend Kompositionen, in denen Linien und Farbformen unabhängig von erkennbaren Gegenständen wirkten. Marcs „Blaues Pferd I“ (1911, Lenbachhaus, München) zeigt ein Tier mit intensiv blauem Körper in einer Landschaft aus gerundeten Hügeln. Die Kurven von Hals, Rücken und Gelände bilden einen ausgewogenen Rhythmus. Die Farbe trägt dazu bei, eine idealisierte Beziehung zwischen dem Tier und seiner Umgebung herzustellen.
In Österreich machten Egon Schiele und Oskar Kokoschka die menschliche Figur zu einem zentralen Gegenstand ihrer Ausdruckssuche. Schieles gespannte Konturen, entblößte Gliedmaßen und kantige Haltungen verstärkten die Verletzlichkeit seiner Modelle. Kokoschka verlieh seinen Porträts durch bewegten Farbauftrag und aufgeladene Gesten eine unruhige psychologische Präsenz. Der Erste Weltkrieg zerriss künstlerische Netzwerke. Später waren expressionistische Künstler nationalsozialistischer Verfolgung und der Beschlagnahmung ihrer Werke ausgesetzt. Ihre Behandlung von Figur, Landschaft und Bildfläche wirkte auf nachfolgende Generationen von Malern weiter.
Der Surrealismus formulierte sein Programm 1924 in Paris mit André Bretons erstem surrealistischen Manifest. Er entstand vor dem Hintergrund des Ersten Weltkriegs und der Experimente des Dadaismus und griff Sigmund Freuds Schriften über Träume und das Unbewusste auf. Maler untersuchten Begehren, unerwartete Verbindungen und die unsichere Grenze zwischen vertrauter Erfahrung und vorgestellten Ereignissen. Giorgio de Chiricos frühere Bilder menschenleerer Plätze und rätselhafter Gegenstände lieferten wichtige Anregungen. Die surrealistische Malerei entwickelte unterschiedliche Verfahren, die von spontanen Spuren bis zu sorgfältig aufgebauten Szenen mit unmöglichen Beziehungen zwischen ihren Bestandteilen reichten.
André Masson erprobte das automatische Zeichnen, bei dem sich Linien entwickelten, bevor mögliche Bildgegenstände erkennbar wurden. Max Ernst nutzte die Grattage: Er schabte Farbe über eine auf strukturierten Unterlagen liegende Leinwand und gewann dadurch Muster, die Wälder oder fremdartige Wesen anregen konnten. Joan Miró entwickelte eine Sprache aus Zeichen, wandernden Linien und organischen Formen. Sein „Karneval des Harlekins“ (1924-1925, Buffalo AKG Art Museum) füllt einen Raum mit belebten Gegenständen und Mischwesen. Augen, Instrumente und kleine Farbformen bewegen sich über die Leinwand. Wiederholungen und sorgfältig verteilte Zwischenräume geben diesem scheinbaren Durcheinander einen präzisen Bildrhythmus.
Salvador Dalí verfolgte eine besonders detailreiche Form surrealistischer Malerei. In „Die Beständigkeit der Erinnerung“ (1931, Museum of Modern Art, New York) hängen weiche Uhren über festen Trägern in einer scharf beleuchteten Landschaft. Ihre veränderte Beschaffenheit erschüttert vertraute Vorstellungen von Gegenständen und messbarer Zeit. Die genaue Wiedergabe von Schatten und Entfernung verleiht der unwahrscheinlichen Szene körperliche Glaubwürdigkeit. Yves Tanguy entwickelte eine andere Form dieser räumlichen Klarheit. Er verteilte unbestimmbare, glatt modellierte Gebilde über weite Flächen, deren Maßstab und geografische Lage ungewiss bleiben.
René Magritte untersuchte das Verhältnis zwischen Bildern, Sprache und Wiedererkennen. „Der Verrat der Bilder“ (1929, Los Angeles County Museum of Art) zeigt eine sorgfältig gemalte Pfeife über einem Satz, der den Unterschied zwischen Gegenstand und Darstellung hervorhebt. Auch ein überzeugendes Abbild kann die Funktion des dargestellten Dings nicht erfüllen. Der zurückhaltende Hintergrund und die klaren Konturen machen das Problem unmittelbar verständlich. In anderen Werken veränderte Magritte Größenverhältnisse, verdeckte Gesichter oder versetzte vertraute Gegenstände an unerwartete Orte. Gewöhnliche Erscheinungen wurden dadurch zum Ausgangspunkt anhaltender Verunsicherung.
Der Surrealismus entwickelte sich international und setzte sich über kriegsbedingte Vertreibung und die Experimente der Nachkriegszeit hinweg fort. Leonora Carrington und Remedios Varo schufen in Mexiko umfangreiche Werkkomplexe, in denen sie Verwandlung, Mythos, Ritual und imaginative Formen des Wissens untersuchten. Carrington bevölkerte ihre Gemälde mit Begegnungen zwischen menschlichen und tierischen Wesen. Varo entwarf vielschichtige Welten aus Reisen, rätselhaften Apparaturen und versunkenen Tätigkeiten. Dorothea Tanning verlieh Räumen, Türöffnungen und dem Körper eine beunruhigende Wandlungsfähigkeit. Diese Künstlerinnen erweiterten die Themen und Erfahrungen der surrealistischen Malerei weit über den Pariser Kreis der 1920er Jahre hinaus.
Paul Sérusiers „Der Talisman“ (1888, Musée d’Orsay, Paris) wurde zu einem Schlüsselwerk der Gruppe. Die kleine Holztafel entstand in Pont-Aven unter Gauguins Anleitung und stellt eine Flusslandschaft durch konzentrierte gelbe, grüne und blaue Farbfelder dar. Bäume und Spiegelungen fügen sich in dieselbe Anordnung farbiger Formen. Sérusier brachte das Werk nach Paris zurück und zeigte es seinen Studienfreunden. Maurice Denis formulierte 1890 einen verwandten Grundsatz: Die Beziehungen zwischen den Farben auf einer ebenen Fläche bildeten die Grundlage eines Gemäldes, unabhängig von seiner Geschichte oder seinem Gegenstand.
Pierre Bonnard und Édouard Vuillard widmeten vertrauten Umgebungen besondere Aufmerksamkeit, darunter Mahlzeiten, Gärten und häusliche Räume. Japanische Farbholzschnitte förderten ihr Interesse an ungewöhnlichen Blickwinkeln, angeschnittenen Figuren und ausgedehnten Musterflächen. Vuillards „Interieur, Mutter und Schwester des Künstlers“ (1893, Museum of Modern Art, New York) führt in einen gedrängten Raum, in dem Kleidung und Tapete um Aufmerksamkeit konkurrieren. Das dunkle Kleid der Mutter bildet eine ruhige Masse, während sich das karierte Kleid der Schwester dem umgebenden Muster annähert. Die Anordnung dieser Flächen bestimmt, wie deutlich sich die einzelnen Figuren vom Raum abheben.
Innerhalb der Nabis bestanden erhebliche Unterschiede im künstlerischen Temperament. Denis verband viele seiner Kompositionen mit christlicher Frömmigkeit und einem ruhigen Rhythmus. Félix Vallotton entwickelte scharf umrissene häusliche Szenen, deren Figuren in schwer deutbaren Beziehungen zueinander stehen. Gemalte Paneele boten Möglichkeiten, Figuren, Laubwerk und wiederkehrende Motive über größere Flächen hinweg zu ordnen. Um 1900 gingen die Künstler zunehmend eigene Wege. Bonnard und Vuillard entwickelten ihre Behandlung von Farbe und Alltagserfahrung noch jahrzehntelang weiter. Viele ihrer bekanntesten reifen Gemälde entstanden in dieser späteren Zeit.
Der Expressionismus entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts besonders in Deutschland und Österreich. Verzerrte Formen, intensive Farben und eine nachdrückliche malerische Handschrift verliehen subjektiven Erfahrungen sichtbare Gestalt. Frühere Gemälde von Vincent van Gogh und Edvard Munch boten wichtige Anregungen. Munchs „Der Schrei“ (1893, Nationalmuseum, Oslo) entstand vor den maßgeblichen deutschen Künstlergruppen des Expressionismus. Die schwankende Figur und die weit ausschwingenden Farbbänder des Himmels verwandeln eine erkennbare Landschaft in ein Bild äußerster Angst. Die feste Diagonale des Geländers verstärkt die Unruhe der umgebenden Kurven.
Die Brücke wurde 1905 in Dresden von Ernst Ludwig Kirchner und drei weiteren Künstlern gegründet. Ihre Mitglieder malten Straßen, Ateliers, Badende und Landschaften mit schroffen Konturen und kräftigen Farbgegensätzen. Kirchners „Straße, Berlin“ (1913, Museum of Modern Art, New York) entstand im Jahr der Auflösung der Gruppe. Das Gemälde verdichtet die Spannungen des Großstadtlebens in einer gedrängten Hochformatkomposition. Zwei elegant gekleidete Frauen stehen zwischen Männern, deren Körper und Gesichter eine unruhige Folge von Winkeln bilden. Der zusammengedrängte Raum und die schrägen Bewegungsrichtungen lassen den Gang durch die Straße körperlich unbequem erscheinen.
Der Blaue Reiter entstand 1911 in München um Wassily Kandinsky und Franz Marc. Gabriele Münter und August Macke gehörten zu seinen wichtigen Beteiligten. Die lose Vereinigung untersuchte die emotionalen und geistigen Möglichkeiten der Farbe. Kandinsky entwickelte zunehmend Kompositionen, in denen Linien und Farbformen unabhängig von erkennbaren Gegenständen wirkten. Marcs „Blaues Pferd I“ (1911, Lenbachhaus, München) zeigt ein Tier mit intensiv blauem Körper in einer Landschaft aus gerundeten Hügeln. Die Kurven von Hals, Rücken und Gelände bilden einen ausgewogenen Rhythmus. Die Farbe trägt dazu bei, eine idealisierte Beziehung zwischen dem Tier und seiner Umgebung herzustellen.
In Österreich machten Egon Schiele und Oskar Kokoschka die menschliche Figur zu einem zentralen Gegenstand ihrer Ausdruckssuche. Schieles gespannte Konturen, entblößte Gliedmaßen und kantige Haltungen verstärkten die Verletzlichkeit seiner Modelle. Kokoschka verlieh seinen Porträts durch bewegten Farbauftrag und aufgeladene Gesten eine unruhige psychologische Präsenz. Der Erste Weltkrieg zerriss künstlerische Netzwerke. Später waren expressionistische Künstler nationalsozialistischer Verfolgung und der Beschlagnahmung ihrer Werke ausgesetzt. Ihre Behandlung von Figur, Landschaft und Bildfläche wirkte auf nachfolgende Generationen von Malern weiter.
Der Surrealismus formulierte sein Programm 1924 in Paris mit André Bretons erstem surrealistischen Manifest. Er entstand vor dem Hintergrund des Ersten Weltkriegs und der Experimente des Dadaismus und griff Sigmund Freuds Schriften über Träume und das Unbewusste auf. Maler untersuchten Begehren, unerwartete Verbindungen und die unsichere Grenze zwischen vertrauter Erfahrung und vorgestellten Ereignissen. Giorgio de Chiricos frühere Bilder menschenleerer Plätze und rätselhafter Gegenstände lieferten wichtige Anregungen. Die surrealistische Malerei entwickelte unterschiedliche Verfahren, die von spontanen Spuren bis zu sorgfältig aufgebauten Szenen mit unmöglichen Beziehungen zwischen ihren Bestandteilen reichten.
André Masson erprobte das automatische Zeichnen, bei dem sich Linien entwickelten, bevor mögliche Bildgegenstände erkennbar wurden. Max Ernst nutzte die Grattage: Er schabte Farbe über eine auf strukturierten Unterlagen liegende Leinwand und gewann dadurch Muster, die Wälder oder fremdartige Wesen anregen konnten. Joan Miró entwickelte eine Sprache aus Zeichen, wandernden Linien und organischen Formen. Sein „Karneval des Harlekins“ (1924-1925, Buffalo AKG Art Museum) füllt einen Raum mit belebten Gegenständen und Mischwesen. Augen, Instrumente und kleine Farbformen bewegen sich über die Leinwand. Wiederholungen und sorgfältig verteilte Zwischenräume geben diesem scheinbaren Durcheinander einen präzisen Bildrhythmus.
Salvador Dalí verfolgte eine besonders detailreiche Form surrealistischer Malerei. In „Die Beständigkeit der Erinnerung“ (1931, Museum of Modern Art, New York) hängen weiche Uhren über festen Trägern in einer scharf beleuchteten Landschaft. Ihre veränderte Beschaffenheit erschüttert vertraute Vorstellungen von Gegenständen und messbarer Zeit. Die genaue Wiedergabe von Schatten und Entfernung verleiht der unwahrscheinlichen Szene körperliche Glaubwürdigkeit. Yves Tanguy entwickelte eine andere Form dieser räumlichen Klarheit. Er verteilte unbestimmbare, glatt modellierte Gebilde über weite Flächen, deren Maßstab und geografische Lage ungewiss bleiben.
René Magritte untersuchte das Verhältnis zwischen Bildern, Sprache und Wiedererkennen. „Der Verrat der Bilder“ (1929, Los Angeles County Museum of Art) zeigt eine sorgfältig gemalte Pfeife über einem Satz, der den Unterschied zwischen Gegenstand und Darstellung hervorhebt. Auch ein überzeugendes Abbild kann die Funktion des dargestellten Dings nicht erfüllen. Der zurückhaltende Hintergrund und die klaren Konturen machen das Problem unmittelbar verständlich. In anderen Werken veränderte Magritte Größenverhältnisse, verdeckte Gesichter oder versetzte vertraute Gegenstände an unerwartete Orte. Gewöhnliche Erscheinungen wurden dadurch zum Ausgangspunkt anhaltender Verunsicherung.
Der Surrealismus entwickelte sich international und setzte sich über kriegsbedingte Vertreibung und die Experimente der Nachkriegszeit hinweg fort. Leonora Carrington und Remedios Varo schufen in Mexiko umfangreiche Werkkomplexe, in denen sie Verwandlung, Mythos, Ritual und imaginative Formen des Wissens untersuchten. Carrington bevölkerte ihre Gemälde mit Begegnungen zwischen menschlichen und tierischen Wesen. Varo entwarf vielschichtige Welten aus Reisen, rätselhaften Apparaturen und versunkenen Tätigkeiten. Dorothea Tanning verlieh Räumen, Türöffnungen und dem Körper eine beunruhigende Wandlungsfähigkeit. Diese Künstlerinnen erweiterten die Themen und Erfahrungen der surrealistischen Malerei weit über den Pariser Kreis der 1920er Jahre hinaus.