Rokoko Alte Meister Index
Alphabetisches Verzeichnis der großen Meister der Rokoko
Das Rokoko war eine im frühen 18. Jahrhundert in Frankreich entstandene Kunstrichtung, deren Malerei lichte Farben, geschwungene Kompositionen und galante oder mythologische Szenen bevorzugte. Es entwickelte sich aus spätbarocken Gestaltungsformen und wurde von Pariser Adeligen und vermögenden Sammlern getragen. Der Name hängt mit der Rocaille zusammen, einem Ornament aus muschelartigen und felsähnlichen Formen. Rosa, Hellblau und Creme verbinden sich in vielen Bildern mit tieferen Grüntönen. Laub und Gewänder führen den Blick zwischen locker angeordneten Figuren hindurch.
Antoine Watteau prägte die Fête galante: elegant gekleidete Gesellschaften, die sich im Freien zu Musik, Unterhaltung und Liebeswerbung versammeln. Seine „Pilgerfahrt nach Kythera“ von 1717 im Pariser Louvre war das Aufnahmestück für die königliche Akademie. Zwischen einer Venusstatue und einer fernen Uferlandschaft erscheinen mehrere Paare. Kleine Veränderungen der Haltung und Blickrichtung bestimmen ihre Beziehungen. Schimmernde Stoffe gehen in eine atmosphärische Farbigkeit über. Nicolas Lancret und Jean-Baptiste Pater entwickelten verwandte Szenen mit Tanz, Theater und geselligem Beisammensein weiter.
François Boucher erhielt wichtige Unterstützung von Madame de Pompadour und malte Schäferszenen, Bildnisse und mythologische Darstellungen. In seinem „Triumph der Venus“ von 1740 im Nationalmuseum in Stockholm verbinden sich helle Körper, blaue Stoffe und Wellen zu geschwungenen Bewegungen. Darüber setzen fliegende Amoretten den Rhythmus fort. Weiche Übergänge modellieren das Inkarnat; hellere Akzente unterscheiden Wasser und Gewebe. Seine ländlichen Figuren bewohnen eine idealisierte Welt mit den Vergnügungen der vornehmen Gesellschaft. Boucher entwarf außerdem Vorlagen für Tapisserien, Porzellan und Bühnenbilder.
Jean-Honoré Fragonard belebte Blätter, Bänder und Stoffe durch eine sichtbar bewegte Pinselführung. In „Die Schaukel“ von 1767 in der Londoner Wallace Collection schwingt eine rosa gekleidete Frau durch einen dicht bewachsenen Garten. Ein Mann beobachtet sie aus dem Gebüsch, ein anderer führt hinter ihr die Seile. Ein Schuh fliegt davon; eine Amorstatue legt einen Finger an die Lippen. Die Schräge der Schaukel kreuzt die gebogenen Äste und verbindet die Figuren räumlich. Gebündeltes Licht lässt das Kleid aus dem dunkleren Grün hervortreten.
Giovanni Battista Tiepolo übertrug diese lichte Bildsprache auf monumentale Fresken. „Apoll und die vier Erdteile“ von 1752-1753 überspannt das Treppenhaus der Würzburger Residenz. Die Personifikationen Europas, Asiens, Afrikas und Amerikas lagern am Rand eines weiten gemalten Himmels. Stark verkürzte Figuren nahe dem Gesims stehen kleineren Gestalten in größerer scheinbarer Entfernung gegenüber. Sein Sohn Giovanni Domenico unterstützte ihn bei der Arbeit. In Süddeutschland und Österreich verband sich die helle Raumillusion auch mit religiösen Aufgaben. Johann Baptist Zimmermann führte gemalte Himmel, plastischen Stuck und Kirchenarchitektur zu zusammenhängenden Gestaltungen.
Im Bildnis gewann die Pastellmalerei besondere Bedeutung. Die Venezianerin Rosalba Carriera wurde mit Porträts international bekannt, in denen Haut, gepudertes Haar, Spitzen und Seide durch feine Tonübergänge unterschieden sind. Das trockene Pigment erzeugt eine weiche, leuchtende Oberfläche. Maurice Quentin de La Tour verband diese Möglichkeiten in Frankreich mit genauer Beobachtung des individuellen Ausdrucks. Präzise Akzente an Augen und Mund geben den Gesichtern Festigkeit, während Kleidung und Haar vielfach lockerer und weicher behandelt erscheinen.
Seit der Jahrhundertmitte wandten sich Kritiker wie Charles-Nicolas Cochin gegen Bouchers dekorative Bildsprache und forderten anspruchsvollere, an der Antike orientierte Themen. Die Ausgrabungen in Herculaneum und Pompeji verstärkten das Interesse an klassischen Vorbildern. In den 1780er Jahren setzte sich in Frankreich der Klassizismus durch. Jacques-Louis David betonte geordnete Kompositionen und öffentliches moralisches Handeln. In Teilen Italiens, Deutschlands und Österreichs hielten Maler und Dekorateure länger an geschwungenen Formen und lichten Farbwirkungen fest.
Antoine Watteau prägte die Fête galante: elegant gekleidete Gesellschaften, die sich im Freien zu Musik, Unterhaltung und Liebeswerbung versammeln. Seine „Pilgerfahrt nach Kythera“ von 1717 im Pariser Louvre war das Aufnahmestück für die königliche Akademie. Zwischen einer Venusstatue und einer fernen Uferlandschaft erscheinen mehrere Paare. Kleine Veränderungen der Haltung und Blickrichtung bestimmen ihre Beziehungen. Schimmernde Stoffe gehen in eine atmosphärische Farbigkeit über. Nicolas Lancret und Jean-Baptiste Pater entwickelten verwandte Szenen mit Tanz, Theater und geselligem Beisammensein weiter.
François Boucher erhielt wichtige Unterstützung von Madame de Pompadour und malte Schäferszenen, Bildnisse und mythologische Darstellungen. In seinem „Triumph der Venus“ von 1740 im Nationalmuseum in Stockholm verbinden sich helle Körper, blaue Stoffe und Wellen zu geschwungenen Bewegungen. Darüber setzen fliegende Amoretten den Rhythmus fort. Weiche Übergänge modellieren das Inkarnat; hellere Akzente unterscheiden Wasser und Gewebe. Seine ländlichen Figuren bewohnen eine idealisierte Welt mit den Vergnügungen der vornehmen Gesellschaft. Boucher entwarf außerdem Vorlagen für Tapisserien, Porzellan und Bühnenbilder.
Jean-Honoré Fragonard belebte Blätter, Bänder und Stoffe durch eine sichtbar bewegte Pinselführung. In „Die Schaukel“ von 1767 in der Londoner Wallace Collection schwingt eine rosa gekleidete Frau durch einen dicht bewachsenen Garten. Ein Mann beobachtet sie aus dem Gebüsch, ein anderer führt hinter ihr die Seile. Ein Schuh fliegt davon; eine Amorstatue legt einen Finger an die Lippen. Die Schräge der Schaukel kreuzt die gebogenen Äste und verbindet die Figuren räumlich. Gebündeltes Licht lässt das Kleid aus dem dunkleren Grün hervortreten.
Giovanni Battista Tiepolo übertrug diese lichte Bildsprache auf monumentale Fresken. „Apoll und die vier Erdteile“ von 1752-1753 überspannt das Treppenhaus der Würzburger Residenz. Die Personifikationen Europas, Asiens, Afrikas und Amerikas lagern am Rand eines weiten gemalten Himmels. Stark verkürzte Figuren nahe dem Gesims stehen kleineren Gestalten in größerer scheinbarer Entfernung gegenüber. Sein Sohn Giovanni Domenico unterstützte ihn bei der Arbeit. In Süddeutschland und Österreich verband sich die helle Raumillusion auch mit religiösen Aufgaben. Johann Baptist Zimmermann führte gemalte Himmel, plastischen Stuck und Kirchenarchitektur zu zusammenhängenden Gestaltungen.
Im Bildnis gewann die Pastellmalerei besondere Bedeutung. Die Venezianerin Rosalba Carriera wurde mit Porträts international bekannt, in denen Haut, gepudertes Haar, Spitzen und Seide durch feine Tonübergänge unterschieden sind. Das trockene Pigment erzeugt eine weiche, leuchtende Oberfläche. Maurice Quentin de La Tour verband diese Möglichkeiten in Frankreich mit genauer Beobachtung des individuellen Ausdrucks. Präzise Akzente an Augen und Mund geben den Gesichtern Festigkeit, während Kleidung und Haar vielfach lockerer und weicher behandelt erscheinen.
Seit der Jahrhundertmitte wandten sich Kritiker wie Charles-Nicolas Cochin gegen Bouchers dekorative Bildsprache und forderten anspruchsvollere, an der Antike orientierte Themen. Die Ausgrabungen in Herculaneum und Pompeji verstärkten das Interesse an klassischen Vorbildern. In den 1780er Jahren setzte sich in Frankreich der Klassizismus durch. Jacques-Louis David betonte geordnete Kompositionen und öffentliches moralisches Handeln. In Teilen Italiens, Deutschlands und Österreichs hielten Maler und Dekorateure länger an geschwungenen Formen und lichten Farbwirkungen fest.