Henri Matisse Gemälde Reproduktionen 1 von 4

„Donatello unter den wilden Bestien“, spottete ein Kritiker in Paris im Oktober 1905, als er vor Gemälden stand, die dem Betrachter reine Farbe entgegenzuschleudern schienen. In diesem aufgeladenen Saal des Salon d’Automne trat Henri Émile Benoît Matisse (31. Dezember 1869 - 3. November 1954) als französischer Maler hervor, mit einem ungewöhnlichen Mut zur Empfindung und zur Ordnung, als Zeichner, dessen Linie zugleich fließend und entschlossen sein konnte. Der Satz war als Verletzung gedacht. Am Ende benannte er einen Wendepunkt - für ihn und für die Moderne.

Man muss sich den Verlauf vorstellen: ein junger Mann, für das Recht ausgebildet, dann durch Krankheit jäh in die Malerei umgelenkt. Matisse wurde in Le Cateau-Cambrésis im Département Nord geboren, als ältester Sohn eines wohlhabenden Getreidehändlers, und wuchs in Bohain-en-Vermandois in der Picardie auf. 1887 ging er nach Paris, um Jura zu studieren, und arbeitete nach dem Abschluss als Gerichtsangestellter in Le Cateau-Cambrésis. Erst 1889, während einer Genesung nach einer Blinddarmentzündung, begann er zu malen - seine Mutter brachte ihm dafür Zeichen- und Malutensilien. Später sprach er von „einer Art Paradies“, das er entdeckt habe; in diesem Ausdruck liegt das unverkennbare Erstaunen eines Menschen, der eine Berufung spät und mit einem Schlag findet. Der Entschluss, Künstler zu werden, enttäuschte den Vater zutiefst, und diese Spannung - bürgerliche Ordnung gegen malerisches Risiko - bleibt im Hintergrund seiner Biografie spürbar.

1891 kehrte er nach Paris zurück und begann eine ernsthafte Ausbildung: an der Académie Julian bei William-Adolphe Bouguereau und an der École Nationale des Beaux-Arts bei Gustave Moreau. Diese Jahre waren keine Legende spontaner Genialität, sondern Lehrzeit, Arbeit, Korrektur. Stillleben und Landschaften in traditioneller Manier schulten das Handwerk, und im Louvre kopierte er vier Gemälde von Jean-Baptiste-Siméon Chardin - eine Bewunderung, die wichtig ist, weil sie seine moderne Kühnheit an eine alte Ehrfurcht vor malerischer Ökonomie bindet. Weitere Fixpunkte standen ihm vor Augen - Nicolas Poussin, Antoine Watteau, Édouard Manet - ebenso die japanische Kunst, die eigene Lektionen über Flächigkeit und Akzentsetzung bereithielt. 1895 entstand Woman Reading (La Liseuse), ein frühes Zeichen dafür, dass Aufmerksamkeit bei ihm eine Haltung sein konnte, nicht nur ein Motiv.

1896 folgte ein entscheidender Besuch auf der Insel Belle Île vor der Küste der Bretagne. Dort führte ihn der australische Maler John Russell an den Impressionismus heran, an die Kunst Vincent van Goghs - Russell war dessen Freund gewesen - und schenkte ihm sogar eine Van-Gogh-Zeichnung. Etwas in Palette und Anspruch sprang auf: Erdtöne wichen einer helleren Skala, Farbe wurde nicht Beiwerk, sondern Argument. Im selben Jahr zeigte er fünf Gemälde im Salon der Société Nationale des Beaux-Arts; zwei kaufte der Staat - eine kleine Tatsache mit großem psychologischem Gewicht für einen damals unbekannten Schüler. Privat war sein Leben bereits komplex. Mit dem Modell Caroline Joblau hatte er eine Tochter, Marguerite, geboren 1894; 1898 heiratete er Amélie Noellie Parayre, gemeinsam zogen sie Marguerite groß und bekamen zwei Söhne, Jean (1899) und Pierre (1900). Marguerite und Amélie standen ihm häufig Modell - nicht als Dekor, sondern als Gegenüber, an dem er Linie und Farbe an Nähe erprobte.

Auf Camille Pissarros Rat reiste Matisse 1898 nach London, um die Bilder von J. M. W. Turner zu studieren, und fuhr anschließend nach Korsika. Im Februar 1899 kehrte er nach Paris zurück, arbeitete neben Albert Marquet und begegnete André Derain, Jean Puy und Jules Flandrin. Er tat, was ernsthafte Maler tun - sehen, vergleichen, sammeln, auch auf die Gefahr hin, sich zu verschulden. Denn er kaufte Werke von Künstlern, die er schätzte, und hängte in seiner Wohnung eine Gipsbüste von Rodin, ein Gemälde von Gauguin, eine Zeichnung von Van Gogh und Cézannes Drei Badende. Aus Cézannes Sinn für Bildstruktur und Farbe zog er eine dauerhafte Lehre - nicht den Glanz der Neuheit, sondern eine Methode, Empfindung zusammenzuhalten. Zwischen 1898 und 1901 experimentierte er mit dem Divisionismus, nachdem er Paul Signacs Essay „D’Eugène Delacroix au Néo-impressionisme“ gelesen hatte. Punkte und gebrochene Farbflächen waren bei ihm nicht bloß Stil - sie waren Labor.

Dann kam die Not als Schlagzeile. Im Mai 1902 gerieten Amélies Eltern in die Humbert-Affäre, wurden zu Sündenböcken und von wütenden Betrugsopfern bedrängt; für längere Zeit war Matisse der einzige Ernährer einer erweiterten Familie von sieben Personen. 1902 und 1903 wurden seine Bilder vergleichsweise düster und stärker auf Form konzentriert, eine Veränderung, die sich auch als Suche nach verkäuflicher Arbeit unter materiellen Zwängen lesen lässt. Vielleicht schärfte dieser Druck seine Disziplin - nicht romantisch, sondern als nüchterne Entschlossenheit, weiterzuarbeiten. Auch die Plastik gewann Gewicht. Nach einem ersten Versuch 1899, einer Kopie nach Antoine-Louis Barye, arbeitete er intensiv mit Ton und vollendete 1903 The Slave - eine Erinnerung daran, dass er nie nur Kolorist war, sondern ebenso ein Bildhauer von Masse und Kontur.

1904 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie von Ambroise Vollard. Sie blieb ohne Erfolg, und Misserfolg ist hier ebenso Tatsache wie Triumph. Im selben Sommer jedoch malte er in St. Tropez mit den Neo-Impressionisten Signac und Henri-Edmond Cross, und seine Vorliebe für leuchtende, expressive Farbe trat deutlicher hervor. Luxe, Calme et Volupté steht in diesem Zusammenhang als Drehpunkt - in der Methode noch neoimpressionistisch, im Ton bereits auf direkte Wirkung aus. 1905 reiste er erneut in den Süden und arbeitete mit Derain in Collioure. Die Bilder dieser Zeit setzen auf flache Formen und kontrollierte Linien; Pointillismus wird weniger streng, beweglicher. Das ist keine Verlegenheit, sondern eine bewusste Vereinfachung, die auf Nachdruck zielt.

Gerade deshalb ist der Salon d’Automne von 1905 entscheidend - er machte diese Vereinfachung öffentlich. Matisse stellte mit einer Gruppe aus, die später Fauves - „wilde Bestien“ - genannt wurde, in einem Raum, in dem die Farbe heiß lief, oft dissonant, ohne Rücksicht auf natürliche Lokalfarbe. Er zeigte The Open Window und Woman with a Hat. Louis Vauxcelles, konfrontiert mit einer Skulptur im Renaissance-Tonfall inmitten dessen, was er eine „Orgien der reinen Töne“ nannte, prägte „Donatello chez les fauves“; der Satz erschien am 17. Oktober 1905 in der Tageszeitung Gil Blas, und aus einem Spott wurde ein Bewegungsname. Die Kritik tobte - Camille Mauclair meinte, „ein Farbkübel sei dem Publikum ins Gesicht geschleudert worden“ - und doch ist Aufmerksamkeit auch Sauerstoff, selbst wenn er beizend wirkt. Als Gertrude und Leo Stein Woman with a Hat kauften, hob das die Stimmung. Anerkennung folgte, und er galt - neben Derain - als führende Figur der Fauves, freundschaftliche Rivalen mit jeweils eigener Gefolgschaft. Um sie herum standen Georges Braque, Raoul Dufy und Maurice de Vlaminck. Hinter ihnen, als geistiger Impuls, blieb Gustave Moreau, der symbolistische Lehrer, der zur Vision statt zur bloßen Korrektheit ermutigt hatte.

Nach 1906 bestimmte die kurze offizielle Lebensdauer des Fauvismus seine Zukunft nicht. Zwischen 1906 und 1917 entstanden viele seiner besten Arbeiten. Er bewegte sich im Kreis der Talente von Montparnasse, passte aber nicht recht hinein - konservativ im Auftreten, streng in bürgerlichen Arbeitsgewohnheiten, und dennoch ruhelos im Erfinden. Reisen nährten diese Unruhe. 1906 fuhr er nach Algerien und studierte afrikanische Kunst und das, was seine Zeit Primitivismus nannte; 1910 sah er in München eine große Ausstellung islamischer Kunst und verbrachte danach zwei Monate in Spanien, um maurische Kunst zu studieren. 1912 und 1913 reiste er nach Marokko; in Tanger begann er, Schwarz als Farbe zu behandeln, nicht bloß als Schatten oder Kontur. Die Wirkung zeigt sich als neue Kühnheit intensiver, unmodulierter Farbflächen - exemplarisch in L’Atelier Rouge (1911), wo Flächigkeit und dekoratives Muster zur eigentlichen Grammatik des Raums werden. Eine lange Verbindung mit dem russischen Sammler Sergei Shchukin führte zu wichtigen Aufträgen: La Danse, für ihn geschaffen als Teil eines Zweierauftrags zusammen mit Music (1910), und eine frühere Fassung von La Danse (1909), die heute im The Museum of Modern Art in New York ist. Guillaume Apollinaire schrieb 1907, Matisse’ Kunst sei „eminently reasonable“ - höchst vernünftig -, und dennoch blieb die öffentliche Feindseligkeit real. Nu bleu (1907) wurde 1913 bei der Armory Show in Chicago in effigie verbrannt - eine groteske Form von Anerkennung dafür, wie stark diese Bilder provozieren konnten.

1917 zog er in einen Vorort von Nizza an der französischen Riviera. In den 1920er Jahren wurde sein Stil entspannter und brachte ihm kritische Anerkennung ein; man lobte ihn sogar als Wahrer einer klassischen Tradition in der französischen Malerei - eine merkwürdige Formulierung für jemanden, der zuvor als „wild“ beschimpft worden war. Nach 1930 vereinfachte er die Form noch entschiedener. Als ihn in den letzten Jahren die Gesundheit am Malen hinderte, schuf er eine bedeutende Werkgruppe als Collagen aus ausgeschnittenem Papier. Über mehr als ein halbes Jahrhundert blieb Henri Matisse im Kern Maler - zugleich aber Grafiker, Bildhauer und Zeichner, dessen Sprache aus Farbe und Linie nie zur Routine erstarrte. Neben Pablo Picasso trug er dazu bei, die revolutionären Entwicklungen der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts zu definieren - nicht durch das Jagen nach Neuheit um ihrer selbst willen, sondern durch die wiederholte Rückkehr zu einer Grundfrage: Wie viel Leben können Farbe und Linie tragen? Diese Frage wirkt bis heute gegenwärtig - besonders für Betrachter, die Klarheit suchen, ohne Kälte. Vielleicht erklärt das, warum Matisse noch immer so direkt den Blick erwidert, selbst wenn die Welt um ihn herum laut urteilte.